Un gruppo di bambini cammina nella stanza.
Il conduttore chiede di immaginare che il pavimento sia diventato improvvisamente molto freddo. Qualcuno comincia a saltellare, un altro cammina sulle punte, una bambina solleva i piedi lentamente come se ogni passo fosse doloroso.
Poi il pavimento diventa appiccicoso. I movimenti cambiano. Le gambe sembrano pesanti, i piedi non vogliono staccarsi da terra. Non è stata pronunciata una sola battuta, eppure tutti hanno compreso ciò che stava accadendo.
Il corpo ha raccontato.
Prima ancora di imparare a parlare, comunichiamo attraverso il movimento, il tono della voce, lo sguardo, la distanza dagli altri. Un bambino si avvicina oppure si ritrae. Si irrigidisce, corre, abbassa la testa, occupa tutto lo spazio o cerca di scomparire.
Anche da adulti continuiamo a parlare con il corpo, spesso senza rendercene conto.
Il teatro educativo comincia proprio da questa forma elementare e profonda di comunicazione.
Essere presenti nel proprio corpo
Viviamo nel corpo, ma non sempre lo ascoltiamo.
Possiamo trascorrere molte ore seduti, concentrati su uno schermo, abituati a usare quasi esclusivamente gli occhi e le mani. Il corpo diventa una specie di mezzo di trasporto che ci porta da un luogo all’altro, oppure qualcosa da mostrare, correggere e giudicare.
Nel laboratorio teatrale, invece, il corpo torna a essere uno strumento di conoscenza.
Camminare lentamente, cambiare direzione, fermarsi a un segnale, percepire il proprio respiro o osservare come cambia l’equilibrio sono azioni semplici. Ma richiedono attenzione.
Un bambino che corre continuamente può scoprire quanto sia difficile muoversi lentamente. Un altro, abituato a rimanere immobile, può sperimentare il piacere di attraversare liberamente lo spazio. Chi teme di essere osservato può cominciare con un gesto piccolo, senza essere costretto a esporsi immediatamente.
Non si tratta di eseguire movimenti belli o corretti. Si tratta di accorgersi di come siamo presenti.
Il corpo non è soltanto qualcosa che abbiamo. È anche il modo concreto con cui entriamo in relazione con il mondo.
Lo spazio non è vuoto
Quando entriamo in una stanza, scegliamo quasi sempre un posto.
Qualcuno si mette al centro. Qualcuno preferisce una parete. Altri cercano immediatamente una persona conosciuta. C’è chi occupa molto spazio e chi sembra chiedere il permesso perfino per stare fermo.
Nel laboratorio teatrale lo spazio diventa visibile.
Un esercizio può chiedere ai partecipanti di camminare senza lasciare zone vuote, mantenendo una distanza equilibrata dagli altri. Sembra facile. In realtà bisogna osservare continuamente il gruppo.
Se tutti seguono la stessa persona, una parte della stanza rimane vuota. Se ciascuno procede senza accorgersi degli altri, aumentano gli scontri. Per distribuire la presenza nello spazio occorre percepire non soltanto dove ci troviamo noi, ma anche dove si trovano gli altri.
È una piccola esperienza di convivenza.
Abitare uno spazio comune significa riconoscere che la nostra presenza modifica quella altrui. Possiamo invadere, allontanarci, accogliere, proteggere, aprire un passaggio o chiuderlo.
Il teatro rende concrete queste dinamiche senza bisogno di spiegarle subito. Prima si vivono, poi eventualmente si osservano e si nominano.
Il corpo può diventare qualcos’altro
Nel gioco teatrale il corpo non rappresenta soltanto una persona.
Può diventare un albero piegato dal vento, un animale che si sveglia, una macchina difettosa, una montagna, una porta che non vuole aprirsi.
Un gruppo di bambini può costruire con i propri corpi una nave. Qualcuno diventa l’albero maestro, qualcuno la vela, altri il ponte, il timone o le onde che la fanno oscillare.
Perché la nave esista, ciascuno deve trovare una forma e nello stesso tempo osservare quella degli altri.
Non basta avere una buona idea individuale. Il corpo di ognuno deve entrare in relazione con la composizione comune.
Questo tipo di lavoro sviluppa l’immaginazione, ma anche la capacità di trasformarsi. Il corpo abituale, quello con cui andiamo a scuola, camminiamo per strada o ci sediamo a tavola, può sperimentare pesi, ritmi e direzioni differenti.
Una persona può scoprire di non essere costretta a muoversi sempre nello stesso modo.
Anche qui il teatro non cerca di cancellare l’identità. Offre la possibilità di ampliarla.
Le emozioni hanno una forma
Come cammina una persona impaurita?
Non esiste una sola risposta. Qualcuno si blocca. Qualcuno fugge. Qualcuno si fa piccolo. Un altro nasconde la paura irrigidendo il corpo e mostrando una forza eccessiva.
Come si muove la rabbia? E la curiosità? E la vergogna?
Nel teatro un’emozione può essere esplorata attraverso il ritmo, la postura, il respiro e la distanza.
Questo permette di riconoscere che le emozioni non sono soltanto parole. Si manifestano fisicamente e possono assumere forme molto diverse.
Il rischio, però, è trasformarle in stereotipi. La tristezza non consiste sempre nel camminare a testa bassa; la gioia non coincide necessariamente con il saltare e ridere. Ogni persona vive ed esprime le emozioni in modo differente.
Per questo il conduttore può porre domande, anziché indicare una risposta corretta.
«La paura ti fa muovere velocemente o lentamente?»
«La rabbia occupa molto spazio oppure rimane compressa?»
«Che cosa cambia nel respiro?»
Il partecipante non deve imitare un modello. Può cercare una propria forma.
Dare un movimento a un’emozione non significa spiegarla completamente. Significa renderla osservabile e trasformabile.
Una paura può crescere, diminuire, cambiare direzione. Una rabbia può diventare energia, difesa o richiesta di essere ascoltati.
La voce nasce dal corpo
Anche la voce è un gesto corporeo.
Dipende dal respiro, dalla postura, dalla tensione, dall’apertura della bocca e dal modo in cui occupiamo lo spazio.
Quando una persona è agitata, la voce può diventare più alta o spezzata. Quando cerca di non farsi notare, può parlare troppo piano. Chi vuole dominare una situazione può aumentare il volume, anche quando non sarebbe necessario.
Nel laboratorio teatrale la voce può essere esplorata prima ancora delle parole.
Si può produrre un suono che cresce e diminuisce, imitare il vento, creare insieme il rumore di una città o far passare un ritmo vocale da una persona all’altra.
Un semplice nome può essere pronunciato con intenzioni differenti: come una domanda, un richiamo, una minaccia, una richiesta di aiuto o un saluto affettuoso.
Le parole rimangono identiche, ma cambia ciò che comunicano.
I bambini scoprono così che parlare non significa soltanto pronunciare correttamente una frase. Significa anche indirizzarla verso qualcuno, darle un ritmo e ascoltare la risposta che produce.
Una voce forte non è necessariamente una voce efficace. A volte una parola pronunciata piano, ma con precisione, raggiunge il gruppo più di un grido.
Guardare ed essere guardati
Uno degli aspetti più delicati del teatro è lo sguardo.
Essere osservati può dare piacere, ma può anche provocare imbarazzo. Alcuni cercano continuamente l’attenzione. Altri abbassano gli occhi appena sentono di essere al centro.
Il laboratorio non dovrebbe considerare lo sguardo soltanto come una prova da superare.
Non è necessario costringere subito una persona a stare sola davanti al gruppo. Si può cominciare in coppia, con un movimento condiviso, oppure affidando l’attenzione a un oggetto o a un personaggio.
Anche chi guarda deve imparare.
Lo spettatore non è un giudice in attesa dell’errore. È qualcuno che sostiene con la propria attenzione ciò che sta accadendo.
Guardare senza deridere, senza distrarsi e senza commentare continuamente è una forma di partecipazione.
Il corpo di chi osserva comunica quanto quello di chi agisce. Uno sguardo accogliente può dare sicurezza; una risata fuori luogo può interrompere un tentativo ancora fragile.
Per questo il teatro educa nello stesso tempo a mostrarsi e a custodire l’esposizione degli altri.
Il corpo ha dei confini
Lavorare con il corpo richiede particolare attenzione al rispetto.
Non tutti desiderano essere toccati. Non tutti vivono allo stesso modo la vicinanza, il contatto o l’ingresso di un’altra persona nel proprio spazio.
Un’attività educativa non dovrebbe mai imporre un contatto fisico non desiderato con la giustificazione che «fa parte del gioco».
Si può imparare a chiedere il permesso, a percepire un rifiuto e a trovare modalità alternative di partecipazione.
Anche un semplice esercizio in coppia può insegnare qualcosa di importante: l’altro non è un oggetto da spostare, guidare o utilizzare per realizzare la propria idea.
Il corpo possiede confini che devono essere riconosciuti.
Questa consapevolezza non ostacola il lavoro teatrale. Lo rende più sicuro e più autentico.
La fiducia non nasce dall’assenza di limiti, ma dalla certezza che i propri limiti saranno ascoltati.
Non preparare corpi da esibire
Quando il laboratorio si avvicina allo spettacolo finale, aumenta il rischio di trattare i corpi dei bambini come elementi da sistemare.
«Mettiti più avanti.»
«Sorridi.»
«Stai fermo.»
«Non girarti.»
Alcune indicazioni sono necessarie. Una scena richiede chiarezza, attenzione e organizzazione. Ma il desiderio di ottenere un’immagine ordinata non dovrebbe cancellare il percorso compiuto.
Un bambino non è un oggetto scenico.
La sua postura, la sua voce e il suo movimento non devono essere modellati soltanto per soddisfare lo sguardo del pubblico.
Il teatro educativo non cerca corpi perfetti, tutti ugualmente sicuri, coordinati ed espressivi. Cerca presenze consapevoli, capaci di comunicare e di entrare in relazione.
La scena più riuscita non è necessariamente quella nella quale tutti compiono lo stesso gesto nello stesso istante.
Può essere quella in cui ogni persona trova un modo vero di esserci e, nello stesso tempo, contribuisce a una forma comune.
Imparare a essere presenti
Alla fine dell’attività, il gruppo torna a camminare nella stanza.
Questa volta il conduttore non dà indicazioni. Chiede soltanto di osservare che cosa è cambiato.
Forse i bambini si urtano meno. Qualcuno alza maggiormente lo sguardo. Un partecipante che all’inizio correva senza fermarsi ora riesce ad attendere. Un altro attraversa finalmente il centro della stanza.
Sono trasformazioni piccole. Spesso non sono visibili a chi assiste soltanto allo spettacolo conclusivo.
Eppure rappresentano una parte essenziale del lavoro.
Il teatro comincia molto prima delle battute e dei personaggi. Comincia quando una persona si accorge del proprio respiro, percepisce lo spazio che occupa e riconosce la presenza degli altri.
Il corpo parla prima delle parole.
Educare con il teatro significa imparare ad ascoltarlo, senza trasformarlo in un oggetto da giudicare o da esibire.
Significa scoprire che possiamo muoverci, comunicare e stare insieme in modi più consapevoli.
Forse la presenza scenica nasce proprio da qui: non dal desiderio di attirare tutti gli sguardi, ma dalla capacità di essere realmente presenti nel luogo e nel momento che condividiamo.
